Enregistrer un groupe traditionnel avec basse, guitare, batterie, clavier et voix laisse beaucoup de place à l’improvisation.
On me pose parfois cette question sur ce qu’il faut enregistrer en premier et j’ai pensé à créer ce post pour pouvoir répondre à tout le monde en même temps.
Alors, faut-il d’abord enregistrer la basse ou la guitare ?
Vous devez d’abord enregistrer la batterie avec autant de personnes jouant en même temps (enregistrant ou non) pour donner le plus de sensations possible à la chanson. Si ce n’est pas un scénario possible pour vous, alors posez d’abord la batterie, puis faites la section rythmique avec guitare et basse ou claviers et basse. alors vous pouvez passer aux overdubs et au reste.
Mon autre réponse est que cela dépend aussi du projet. Si vous essayez de créer une mélodie super pop qui va être perfectionnée dans le temps dans un multipiste avec beaucoup d’instruments virtuels, alors tout doit suivre le clic et l’ordre est indistinct. D’un autre côté, si vous essayez de capturer l’ambiance et la magie d’un groupe live, je vous suggère de faire de votre mieux pour couper le morceau en live.
Ne soyez pas confus pour l’instant, il y a beaucoup d’explications à donner et nous sommes sur le point de commencer.
À la poursuite d’une chimère
C’est la première chose que je dois nécessairement aborder : arrêter de courir après une chimère.
Nous avons tous cette utopie dans la tête qu’il y a un chaudron rempli d’or à une extrémité de l’arc-en-ciel avec dedans, un livre contenant la recette de l’enregistrement parfait. Il est temps de laisser tomber ça.
La déclaration effrayante que je dois faire à ce point de départ est qu’il n’y a pas de « juste » ou de « mauvais ».
Il n’y a pas de recette universelle qui fonctionne avec tous les groupes. Ce n’est pas parce que The Strokes l’ont fait et ont vendu des millions de disques il y a 20 ans que vous obtiendrez la même chose en répétant leurs techniques.
Ce que j’essaie de dire, c’est qu’une fois que vous arrêtez de poursuivre la chimère de la perfection ou le succès de quelqu’un d’autre, alors (et alors seulement) vous commencerez à travailler pour améliorer votre propre truc.
Vous commencerez à réaliser ce qui fonctionne pour vous et votre projet. Avez-vous un bassiste phénoménal qui colle au clic comme de la colle ? À quel point est-il bon à faire le verrouillage avec le coup de pied de batterie ?
Votre musique en a-t-elle besoin ? Et le guitariste ? Est-ce qu’il ou elle crée des sections rythmiques incroyables qui sont le cœur et l’âme de vos chansons ou joue-t-il des riffs atomiques ?
Votre batteur est-il un musicien autodidacte ou sait-il lire des partitions ? Qu’en est-il de la sensation de la chanson, des moments de votre musique ? Une fois que vous savez tout cela, vous pouvez décider quoi enregistrer en premier.
Arrêtez de chasser la chimère de la perfection, le rêve de quelqu’un d’autre. Concentrez-vous sur votre groupe , votre performance, votre enregistrement et le sentiment que vous voulez résumer et montrer au monde.
La manière traditionnelle d’enregistrer une basse ou une guitare
Ok, alors maintenant que vous êtes sorti du rêve éveillé d’être une rock star au festival de Werchter avec des lunettes de soleil, un manteau en fausse fourrure et une gueule de bois gigantesque, il est temps de discuter de productions sonores. Il y a une façon traditionnelle de faire les choses qui ressemble à ceci :
- BATTERIE + BASSE + GUITARE + KEYS, OVERDUBS & ARRANGEMENTS + CHANT
C’est une formule éprouvée que mes collègues et moi utilisons depuis longtemps.
Il n’est pas sorti d’une coquille de noix dans une forêt magique : il y a une raison derrière cela. L’idée est de suivre d’abord la colonne vertébrale des chansons, puis d’en construire lentement la sensation et la beauté.
Passer des os à la chair est quelque chose qui fonctionne très bien dans certains scénarios, mais pas dans tous les scénarios.
Avantages de l’enregistrement de la basse avant la guitare
Vous pouvez vous assurer que la colonne vertébrale de la chanson fonctionne parfaitement avant de mettre quoi que ce soit dessus.
Par exemple, les sections rythmiques qui doivent être parfaitement synchronisées pour générer une sensation de groove déterminée bénéficient beaucoup de leur construction en bloc avant toute autre chose.
Croyez-moi, lorsque vous êtes de l’autre côté et que vous entendez quelque chose qui fonctionne dans ce sens, vous y répondez instantanément physiquement. Un autre avantage est que vous pouvez accorder beaucoup d’attention à chaque partie séparément, ce qui finit par être un excellent moyen de disséquer chaque section et de corriger même la plus petite chose que vous souhaitez corriger.
Inconvénients de l’enregistrement de la basse avant la guitare
Le plus gros inconvénient de cette approche, à mon avis, est simplement qu’elle peut tuer la sensation d’une chanson. La plupart des musiciens peuvent faire un effort supplémentaire en studio lorsque les réglages sont adéquats.
Il y a 10% supplémentaires que les batteurs, en particulier, peuvent donner à certaines parties de chansons qui sont incroyables à capturer dans un enregistrement.
Avec cette approche, vous aurez le batteur jouant sur une ligne de guitare rythmique et de basse qui sera très probablement remplacée par la suite et le chanteur ne faisant aucun effort, se contentant de fredonner des mélodies et des notes. Ce n’est pas le cadre idéal pour enregistrer la batterie la plus émouvante de l’histoire, n’est-ce pas ?
Restrictions de la vieille école contre la liberté de la nouvelle école
À l’époque où la basse, les guitares, la batterie et tout le reste étaient enregistrés sur bande, il n’y avait pas de place pour corriger une mauvaise prise par la suite.
En fait, au tout début, tout était enregistré directement à travers un unique microphone. Les restrictions de l’équipement de la vieille école peuvent vous emmener sur un territoire très intéressant.
En fait, quelques nuances et petites « erreurs » donnent beaucoup de son caractère aux anciens enregistrements. Certaines personnes trouvent que l’enregistrement en une seule prise avec tout le groupe directement sur bande ou sur un DAW ouvre une porte qui peut pousser la créativité plus loin.
Ce n’est que lorsque les Beatles sont arrivés et ont commencé à aller plus loin dans l’expérimentation instrumentale que les overdubs sont devenus une chose courante. Des chansons comme Tomorrow Never Knows qui avaient des instruments à l’envers et plus de textures sont devenues impossibles en une seule prise.
De nos jours, nous avons une liberté infinie.
À la maison avec une interface audio, un microphone et un ordinateur, vous pouvez enregistrer autant de pistes, de prises et de chansons que vous le souhaitez.
Cela peut être un énorme bond en avant en termes de créativité ou peut fonctionner comme un drain d’énergie. Parfois, les musiciens se perdent dans la quantité infinie d’options disponibles et leur énergie est déviée du processus créatif vers le côté technique et cela peut être un très mauvais coup.
En ce qui concerne la guitare, la basse, les touches, la batterie et le chant et ce qu’il faut enregistrer en premier, la liberté de la nouvelle école vous permet d’améliorer cette performance par la suite et de quantifier la batterie pour la rendre parfaite, par exemple.
C’est une excellente astuce pour les chansons pop qui intègrent différents sons générés par la machine. D’un autre côté, quantifier un batteur qui joue avec ses sensations et son âme, tue la prise et pour ces scénarios de cas, les restrictions à l’ancienne fonctionnent mieux et vous devriez enregistrer la batterie et la basse ensemble si vous en avez l’occasion.
La bonne nouvelle est que les deux écoles d’enregistrement coexistent aujourd’hui et c’est une question de choix.
Ne vous contentez pas de me croire sur parole; regardez simplement Dave Grohl l’expliquer devant une caméra.
Enfin, un exemple parfait d’engagement à l’ancienne est le documentaire American Epic de Jack White.
Qu’en est-il de l’enregistrement de riffs ?
Ok, maintenant on entre dans un terrain difficile : qu’en est-il des chansons qui se révoltent autour des riffs de guitare ?
Eh bien, si vous connaissez un peu la musique moderne, vous savez ce qu’est un riff de guitare.
Lorsque le riff de guitare est suffisamment puissant (pensez à AC-DC, Led Zeppelin, Lenny Kravitz), toute la chanson est créée autour de lui. Si tel est le cas, vous ne pouvez pas demander à tout le monde de jouer son rôle sans que le riff tout-puissant ne sonne haut et fort. De plus, la basse, la guitare et la batterie doivent être parfaitement verrouillées pour créer le groove autour du riff.
Ne pas le faire transformera immédiatement un scorcher en une tentative obsolète.
Croyez-moi, j’ai vu le scénario que je suis sur le point de décrire se produire un million de fois. Disons que le guitariste a un riff incroyable et que toute la chanson tourne autour. Ils l’ont répété jusqu’à épuisement et sont prêts à l’enregistrer.
Une fois que vous avez enregistré la basse et la batterie avec la guitare de référence, vous la remplacez par la guitare définitive.
Le guitariste parcourt le riff et réalise soudain qu’il y a des écarts de notes entre la guitare et la basse. Le bassiste a toujours pensé que le guitariste jouait une note qu’il ne fait pas en fait. Donc que faites-vous ? Vous revenez à zéro et enregistrez la basse et même peut-être la batterie différemment ou changez simplement la partie de guitare ?
Pouvez-vous imaginer une chanson comme Rock and roll de Led Zeppelin avec un riff de guitare différent ? L’essentiel est que lorsque le riff est roi, vous devez respecter sa règle et suivre : enregistrez la batterie et la guitare.
Le rock’n’roll ne connaît pas de règles, créez cette atmosphère
Rock n Roll est plus qu’un simple style de musique ; c’est une attitude.
Si vous voulez vraiment capturer le sentiment et le groove du rock n roll en devenir, la question n’est pas de savoir quoi enregistrer en premier mais de quoi la chanson a-t-elle besoin. Le rock n roll ne connaît pas de limites et ne connaît pas de règles.
En tant que musicien, je suis toujours soucieux de jouer les bonnes notes jusqu’à ce que je connaisse si bien la partie qu’elle fait partie de ma chair et de mes os. Alors (et seulement alors) je sais que je suis prêt à le mettre sur la piste et que je peux même lâcher un peu de magie supplémentaire pendant la prise.
C’est une sensation incroyable lorsque vous naviguez dans la mélodie, en appréciant le reste des instruments qui jouent. Mes camarades de groupe pensent comme moi et ensemble nous répétons de manière obsessionnelle avant d’entrer en studio.
De l’autre côté de la fenêtre, en tant que producteur et ingénieur, je suis conscient de la sensation de la mélodie et du groupe.
J’essaye de faire comprendre aux musiciens qu’il y a jusqu’à 25% du résultat qui dépend du feeling et de l’énergie qu’ils sont capables de générer. Il n’y a pas encore de remplacement numérique pour une performance émouvante.
Afin de capturer ces 25 % de l’enregistrement, vous devez fournir la bonne atmosphère dans laquelle les règles ne s’appliquent pas.
Éloignez-vous des termes comme « bien » et « faux ». Faire les choses dans le mauvais sens vous amène généralement à un nouveau territoire sonore. Soyez à l’aise avec le fait de plier et d’enfreindre même vos règles. Rappelez-vous, le rock n roll ne connaît rien de tout cela et en souffre; ne faites pas en sorte que le groupe réponde à vos règles, réinventez-vous pour tirer le meilleur parti de leur performance.
Posez (les bonnes) questions lors de l’enregistrement d’une basse et d’une guitare avec un groupe
À partir du dernier élément, il est important en tant que musicien, producteur et ingénieur de poser les bonnes questions ; en fait, il est important de poser beaucoup de questions.
Ce que je fais lorsqu’un groupe vient dans mon studio, c’est me demander si je peux l’inviter à répéter dans la salle de concert avant d’enregistrer. Nous avons tout mis en place avant le premier jour et je leur fais passer toutes les chansons avec un PA et tout et je le capture avec un microphone pour créer un mixage stéréo.
Avec ce matériel entre les mains, je sais déjà comment travailler avec eux, sur quoi mettre l’accent, qui est plus nerveux que qui et, surtout, comment les aider à être leur meilleure version.
Les mélanges de monitoring personnalisés sauvent la journée
- Je ne saurais trop insister là-dessus : demandez aux musiciens ce qu’ils veulent ! Des questions très simples qui me sauvent la journée à maintes reprises sont « qui suivez-vous quand vous jouez ? » et « De quoi avez-vous besoin dans vos moniteurs ? »
La première question me permet de configurer les lecteurs de référence pour la chanson.
Disons que le batteur suit le claviériste sur une chanson, un riff de guitare sur une autre, et un rythme super groovy avec la basse sur une autre. Notez-le et faites-en une priorité, même chose avec la basse, les guitares et tout le reste. Personnalisez les mixages de monitoring des musiciens et ils vous en seront éternellement reconnaissants.
Essayez ces scénarios de cas pour enregistrer une basse et une guitare
Maintenant que vous connaissez les différentes variables, passons en revue certains scénarios de cas et ce qu’il faut enregistrer en premier si batterie, basse, guitare, clavier ou voix.
Laisser le chanteur se reposer
C’est une approche que j’ai apprise récemment et que j’ai trouvée qui change complètement l’ambiance. Avoir une journée marathon pour que les chanteurs couvrent toutes les chansons et les chœurs peut être génial pour les deux ou trois premières pistes et ennuyeux pour le reste. Je laisse toujours quelques heures à la fin de chaque journée de session pour le chant. De cette façon, le ou les chanteurs peuvent avoir le temps de revenir sur leur performance et de faire des ajustements. Aussi, ils peuvent se reposer et en même temps être actifs et participatifs au quotidien.
Pré-production sur un multipiste
C’est ma façon préférée d’enregistrer un groupe.
Chaque fois qu’ils viennent en studio pour me voir, je les exhorte à faire une pré-production multipiste dans laquelle ils dissèquent chaque partie, y compris les voix, puis entrent en studio en sachant exactement comment le faire.
Cela aide à la nervosité et permet à chacun de jouer sur une chanson finie en conservant cette ambiance « live ». Voici un exemple de la façon dont les Foo Fighters fonctionnent en remplaçant tout sauf la batterie après l’enregistrement initial du groupe.
Le clic est roi
C’est une décision que les musiciens doivent prendre lorsqu’ils sont en studio.
Une approche consisterait à faire jouer le batteur au clic, puis à le retirer pour lui donner une sensation plus organique pour le reste des musiciens. Une autre consiste à faire en sorte que tout le monde joue sur le même clic et que le clic soit roi.
Cela fonctionne particulièrement bien lorsque vous avez écrit de la musique et de grands musiciens scolarisés. Tout le monde jouant au clic et lisant ses notes peut faire une prise parfaite quel que soit l’ordre dans lequel il enregistre.
Limites de vitesse
Il n’est pas rare que des batteurs (et des groupes entiers) accélèrent et ralentissent au milieu d’une chanson.
C’est tout à fait normal, c’est directement lié au fait qu’ils sont excités par ce qu’ils jouent !
Si c’est une mauvaise chose pour le groupe qui n’en veut pas dans sa musique, un clic peut vous aider à définir des limites de vitesse et vous devez absolument enregistrer la batterie et toute la section rythmique en même temps.
Le rôle clé des voix pour une sensation plus organique
Comme dernier conseil sur ce qu’il faut enregistrer en premier, je dirais que les voix sont toujours les bienvenues car elles donnent le feeling à la musique.
Même les mots peuvent être essentiels pour un musicien quant à la façon d’exécuter son instrument. J’utilise beaucoup de chanteurs en studio ; ils chantent tous les jours de nombreuses fois par jour.
Par exemple, faire des claviers et des overdubs de guitare sans voix est très dangereux car les deux reposent sur des fréquences similaires. Si le claviériste ou le guitariste joue trop, cela peut obscurcir l’éclat brillant de la voix, et la chanson peut finir par être trop encombrée et la mélodie perdue.
Poussez les chanteurs à faire leur truc tout le temps. Si un groupe est un quatuor, je dirais qu’il s’occupe de 60% de la piste et que les voix représentent à elles seules les 40% restants. En fait, ce que la plupart des auditeurs occasionnels, les gens hors du milieu des affaires enregistrent et collent à leur cerveau, ce sont la mélodie et les mots; ne les laissez pas pour le dernier jour.
Derniers mots sur l’enregistrement de la basse ou de la guitare en premier
Un enregistrement est une forme d’art : l’art de capter l’énergie en ondes sonores. Avec le temps et la pratique, vous comprendrez où se trouve la source d’énergie dans chaque bande et ce qu’il faut faire pour la mettre en valeur.
Enregistrer d’abord la batterie est toujours un must à moins que tout ne soit écrit et que le clic soit roi.
Une fois la batterie terminée, vous devez construire la chanson par-dessus. Au lieu de me demander quoi enregistrer en premier si la basse, la guitare, les claviers ou le chant, je me demande combien de choses puis-je enregistrer à la fois et ensuite remplacer ? Parfois, c’est juste le batteur à l’intérieur de la salle de concert et tout le monde y va depuis la salle de contrôle avec rien d’autre que des boîtes de direct.
En attendant d’avoir traversé plusieurs styles musicaux je vous propose d’essayer d’aménager votre studio pour faire le plus possible de prises live et de les remplacer par la suite.
N’hésitez pas à consulter mon article sur les 21 meilleurs accessoires de guitare. Vous pouvez le lire ici.
N’oubliez jamais que vous capturez quelque chose, pas que vous créez quelque chose. Faites en sorte que les musiciens se sentent aussi à l’aise que de verser sur l’instrument leur âme et de se sentir oublier le tic-tac des machines. Concentrez-vous sur la capture de moments épiques et ils dureront sûrement pour toujours.
Joyeux enregistrement à tous !
